Добро пожаловать в очередной урок от DarlingMionette! Если вы зашли сюда с мыслями «О, наконец-то я научусь рисовать как она!», можете свернуть окно сейчас же. Вы ошиблись адресом. Данный урок – это руководство по выживанию для художников-любителей-новичков, которые только-только попали на DeviantArt и еще не знают, с чего начать в этом мире искусств. Если вам это не интересно, на сайте вы найдете множество других «пошаговых» уроков по рисованию. Всех остальных приглашаю к чтению…
ИТАК, ВЫ ХОТИТЕ СТАТЬ ХУДОЖНИКОМ
Поздравляю! Вы уже художник. Нет, правда. Если вы решили, что вы художник, то так оно и есть. Все предельно просто. Если вы похожи на большинство художников, то, скорее всего, вы тоже начали с дурацких рисунков на полях тетрадей. Если на вашем рабочем пространстве появляется огрызок чистой бумаги, он обязательно вскоре будет заполнен каким-нибудь рисунком. Цветочком, геометрическими фигурами, или глазами. В вашем арсенале уже есть самый необходимый инструмент, который вам когда-либо понадобится для творчества: это сама необходимость рисовать.
Итак, позвольте теперь сказать по теме… Данное руководство по выживанию – это сборник информации и советов, которые были собраны за многие годы проб и ошибок – это такие вещи, которые уже давно известны художникам среднего и высшего уровня. Мы все познаем их где-то, но на это уходит много времени, и ошибок, если не найдется кто-то, кто укажет на эти ошибки. Итак, я постараюсь вырезать из вашего пути несколько лет проб и ошибок. Я разложу все по полочкам в максимально доступной и организованной форме, чтобы в будущем вы могли вернуться к этой статье за помощью, если понадобится.
ЧТО ТАКОЕ «НАЧИНАЮЩИЙ ХУДОЖНИК»?
Я хочу прояснить этот момент с самого начала этого урока, потому что я не хочу, чтобы вы думали, что «начинающий» значит работающий на полставки. В контексте этой статьи к термину «начинающий» относится любой художник, который только начал знакомиться с основами рисования. Художники среднего уровня (как я) – это те художники, у которых есть определенный навык, и сильная база, но которые продолжают развиваться, дабы продвинуть свой талант на следующий уровень. Художники высшего уровня (как я их называю) – это художники, которые на зубок знают все фундаментальные основы искусства. Могут нарисовать фигуру человека, не моргнув и глазом… могут по-мастерски раскрашивать… Ну, что лукавить… они тоже работают часами… и продолжают учиться (на самом деле, человек всегда находится в процессе развития), но у них десятки заказов, и работы их публикуются во всевозможных галереях и журналах, они могут даже работать на Disney или Pixar (на DeviantArt-е таких немного, как вы могли бы подумать).
Когда вы станните художником среднего уровня? Не знаю. И никто не может знать. Все зависит от вашего стремления, и от того, сколько работы вы готовы вложить в свое творчество. С каждым новым рисунком вы должны стараться научиться чему-то новому.
ЧТО БЫ ВЫ ХОТЕЛИ НАУЧИТЬСЯ РИСОВАТЬ?
Подумайте об этом минутку.
Ладно, это был вопрос с подковыркой. Ответ должен быть «ВСЕ». Слишком много художников вступает в мир искусства с мыслями «Я хочу научиться рисовать людей/животных/фон/комиксы/аниме/и т.д.» Но, если вы будете всегда стремиться к этой позиции, вы, конечно, научитесь рисовать эти вещи… но никогда не подниметесь выше уровня новичка – потому что рисунок это не только люди/животные/фоны/комиксы/аниме и т.д. В рисунке всегда будет что-то еще, что-то другое. Так что ставьте себе цель научиться рисовать все на свете, а не только что-то одно.
ПОЧЕМУ ФАН-АРТ ПОДОБЕН ЯДУ?
Прежде чем любители фан-арта убьют меня, позвольте сказать, нет ничего страшного, если вы время от времени создаете фан-арт. Большинство из нас грешат этим. Фан-арт может быть блистательным, но тут то и проявляется его ядовитость. Если вы только и делаете, что рисуете фан-арт, вы никогда не станете художником, каким хотите себя видеть. Большую часть искусства занимает креативность, а если вы постоянно будете рисовать чужих персонажей, вы не будете тренировать свою креативность так, как это делают художники, которые изо дня в день создают новых героев и персонажей. Все просто. Так что давайте, делайте свой фан-арт, но время от времени откладывайте его в сторону и позволяйте себе создавать что-то новое.
СТИЛЬ
То, что я сейчас скажу, прозвучит немного противоречиво. Многие художники скажут, что «никто не научит вас стилю», «это неповторимая черта, которая приобретается с годами опыта». Но это не совсем так. По большому счету, ваш стиль в вашей власти. То, как вы держите карандаш, то, как видите цвета и формы… никто не может научить вас этому. Но вы можете ускорить процесс определения своего стиля, и я расскажу вам КАК (это даже не будет амбициозной «практикой»).
Подготовьте листок бумаги и карандаш, затем создайте на своем рабочем столе новую папку. Назовите ее «Вдохновение». У любого художника, который ищет идеи/стиль, такая папка имеется. Даже у меня. Теперь, вам нужно пройтись по галереям DeviantArt-а. Советую начать с самых популярных работ, потому что большинство из них – это лучшее, что DeviantArt может предложить, к тому же вероятность, что вам из этого что-то понравится, намного выше, чем, если бы вы просто просматривали галереи одну за другой. Ваше задание: найти творчество, которое вам понравится. Речь не идет о старых рисунках, которые «типа крутые».
Ищите то, что заставит вас остановиться и сказать «ВАУ! Я тоже хочу так рисовать!». Сохраняйте все в папке «вдохновение», накопите несколько десятков разных работ разных художников и стилей, потом откройте эту папку и просмотрите все рисунки внимательно, один за другим – определите отличительные черты каждой работы, сравните стили. Вам нужно установить личное предпочтение.
Вы начнете замечать шаблоны. Может, у 90% сохраненных вами рисунков будет присутствовать контур (лайнарт). Может на всех из них будут круглые глаза. Может, на них будут изображены грациозные девушки… или темные, откровенные сцены. Это все ваш стиль, ваш почерк. Как только вы поймете, что вам нравится, вам будет намного легче научиться рисовать в вашем уникальном стиле (и вероятность того, что вы постоянно будете менять свой стиль, сведется к минимуму).
Многие новички просто берут и копируют стиль, который им нравится в данный момент. Они даже не стараются что-то изменить в нем, сделать его более «своим». Это может быть стилем, но уже точно не вашим, и никогда таковым не будет.
Запомните, копированием картинок и рисунков, которые вам нравятся, вы не добьетесь ровным счетом ничего. Так что, давайте теперь делать эскизы. Начните с лица. Помните, что вы не должны копировать каждую черточку отдельного рисунка. Скажем, вам нравится определенный стиль круглых глаз… но ресницы вам могут нравиться из другого стиля, так же как и зрачок. Это нормально, можете собирать свой стиль по частям. В этом и весь смысл. Не думайте о том, чтобы сделать все идеально, просто повторяйте те аспекты, которые вам больше всего нравятся, а затем посмотрите на то, что получилось, со стороны. Скорее всего, результат получится… не ахти. Поэтому на этом этапе вы начинаете все исправлять. Возможно, стиль лица, который вам нравится, не очень хорошо сочетается с глазами, которые вы выбрали… поэтому исправляйте все ошибки, линии, пропорции… дорабатывайте все до тех пор, пока не останетесь довольны результатом. Больше никогда не пытайтесь копировать чужие стили из вашей папки «вдохновение», просто продолжайте исправлять то, что получилось «неудачно». В конечном счете, у вас получится нечто похожее на те стили, которые вам нравятся, но это будет что-то совершенно новое. Добро пожаловать в ваш новый стиль. Возможно, вам еще потребуется кое-что отработать, но теперь вы хотя бы знаете, с чего начинать.
Вначале вы, наверняка, думали «я хочу рисовать аниме как (вставьте любое имя)!», но теперь у вас есть нечто свое. Это может быть немного аниме, или что-то совершенно другое – но это точно будет ВАШИМ. Только прошу вас, не забывайте о следующем: а) не копируйте чужой стиль полностью; б) и перестаньте редактировать рисунок, если он уже получился «лучше, чем когда-либо до этого». Исправляйте рисунок до тех пор, пока не останется ничего, что будет резать глаза. Даже если это займет у вас несколько дней.
РАБОЧАЯ ЭТИКА
УРА! У вас теперь есть собственный стиль. Это, конечно, круто, но это далеко не все, что вам нужно. Итак, ваш следующий инструмент: рабочая этика. Не важно, насколько вы талантливы, если у вас нет хорошей рабочей этики, вы быстро скатитесь в «никуда». Рисуйте столько, сколько можете. Участвуйте в конкурсах, предлагайте работу на заказ, рисуйте что-то личное (для себя)… не важно, что именно вы будете рисовать, лишь бы РИСОВАЛИ – составьте список дел и работайте по нему, соблюдая график. Нет настроения рисовать сегодня? ВСЕ РАВНО РИСУЙТЕ! Остался час до приема у врача? Начните раскрашивать недавний рисунок. Можете быть уверены, если вы хоть на один день решите «отдохнуть» от творчества, этот отдых затянется на недели. Затем на месяцы. И годы. Поэтому старайтесь, заставляйте себя рисовать хоть что-то, но каждый день.
НЕ ИДИТЕ ПО ПУТИ НАИМЕНЬШЕГО СОПРОТИВЛЕНИЯ
Самая большая характерная черта всех новичков – желание схалтурить. Вы даже представить себе не можете, сколько времени уходит у художника среднего/высшего уровня на создание отдельной иллюстрации!
На создание эскиза у меня уходит где-то 6 – 12 часов… исправление линий, исправление исправленных линий, удаление, начало с нуля. Прорабатывайте свой эскиз на столько, на сколько это возможно, потому что это может быть ЕДИНСТВЕННОЙ возможностью что-то вообще исправить. Если вам хоть что-то в эскизе не нравится, исправьте это и продолжайте исправлять до тех пор, пока не будете довольны результатом. Пусть хоть на это уйдет целый месяц. Если вы не заставите себя делать работу «лучше», она никогда не станет таковой – и, поверьте мне, если вы вовремя не исправите свои ошибки на стадии эскиза, то, когда вы будете заканчивать свой рисунок, этот - пусть даже самый малюсенький - недочет все равно никуда не денется, и будет мозолить вам глаза и дальше.
Контурный рисунок (лайнарт) занимает у меня примерно 6 - 48 часов . Я не заканчиваю работу над контуром, пока все линии не будут на своем месте, чистые и аккуратные. Лайнарт – самая кропотливая из всех стадий работы над рисунком, но если сделать его хорошо, он может очень круто изменить качество вашей работы.
На раскрашивание плоскими цветами у меня уходит в среднем от 2 до 6 часов . Не допускается раскрашивание с выходом за границы контура, и никаких вам белых незакрашенных точек.
Плюс ко всему я провожу от 4 до 10 часов на полноценное раскрашивание каждого рисунка . Я обязательно слежу за тем, чтобы везде присутствовали тени и текстуры, даже на самых маленьких деталях – потому что рисунок собирается из деталей.
Сложим все, и получим от 16 до 76 часов непрерывной работы над одним рисунком . И это, не учитывая походы в туалет, перекусы и прочую работу. Именно такая работа – без халтуры – поднимет ваш уровень таланта до продвинутого. Это единственный возможный способ стать хорошим художником – так что будьте готовы к многочасовой работе. Через год вы скажете мне спасибо.
ОБРАЗЦЫ – ВАШИ ПОМОЩНИКИ
Это не жульничество. Это не уменьшит ваши творческие способности. Если вы можете идеально нарисовать человека без образца, нас это не впечатлит – потому что, если вы перестаете обращаться за помощью к образцам, вы перестаете развиваться. Все, даже самые великие художники пользуются ими.
Обращайтесь к фотографиям и реальной жизни, а не к другим художникам.
Если художник, к чьим рисункам вы обращаетесь за помощью как к образцам, не знает, как правильно рисовать руки, то и вы ничему хорошему не научитесь, копируя их. Научитесь рисовать НАСТОЯЩИЕ руки, только потом можно научиться подгонять их под какой-то стиль. Вы должны сначала понять, как нужно делать «правильно», прежде чем начнете изменять это и называть «стилем». Если же вы пренебрежете этим правилом и будете называть «это» стилем, то вы просто будете обманывать сами себя и покрывать свою неспособность рисовать, и поверьте мне, это будут знать все.
НЕ РИСУЙТЕ ТО, ЧТО ВИДИТЕ
Рисование изгибов, которые вы видите глазами, не поможет вам до тех пор, пока вы не поймете причину возникновения этих изгибов. Если вы просто копируете что-то, не задумываясь о его объемной форме, о структуре, которая не заметна глазу, то, можно сказать, вы просто рисуете линии. Вы не сможете нарисовать бедро в разных ракурсах, пока не представите себе, как оно выглядит под разными углами.
НИКОГДА НЕ ВЫБРАСЫВАЙТЕ СВОИ РИСУНКИ
Поверьте мне, лучше этого не делать. Если вы все же хотите избавиться от какого-то ужасного рисунка, то хорошо… просто сохраните его, переименуйте, и отложите куда-нибудь подальше. Начните рисовать новый рисунок. Когда-нибудь, может через неделю, или год, или даже через 10 лет вы найдете этот «ужасный» рисунок и скажите «Вот это да! Как же я вырос!». Нет ничего лучше, чем просматривать свои старые работы и смеяться над ними. Вы почувствуете, что добились многого и можете теперь этим гордиться.
К тому же, вполне возможно, что у вас была потрясающая идея, которую вы просто не смогли воплотить, находясь на начальном уровне художественного развития… но, скажем, через год это может быть вам по силам.
НА ЛУЧШИХ ПРОИЗВЕДЕНИЯХ ИСКУССТВА ЕСТЬ:
1. Свет. Даже в самых темных картинах используется свет, чтобы передать атмосферу рисунка и привлечь внимание зрителя к фокусным точкам. Изучите все возможное об источниках света. Поверьте, это вам пригодится.
2. Контраст и цвет. Изучите теорию цвета и светотени. Даже если вы не самый лучший художник, при наличии отменной цветовой палитры и хорошего контраста, ваш рисунок уже будет сиять.
3. Детали. Даже если вы просто делаете фан-арт на любимое аниме, если в вашем рисунке присутствуют детали, то вы автоматически переходите на уровень выше остальных начинающих художников. Это, конечно же, не значит, что нужно перегружать рисунок 16 браслетами, 6 кольцами на пальцах и 12 пирсингами… и все на одном персонаже. Ради всего святого, во всем знайте меру. Но помните, что ничто не идеально. Я напомню о некоторых деталях, которые, скорее всего, вылетели из вашей головы: шаблоны (узоры), пуговицы, молнии, кружево, текстура, веснушки, родинки, шрамы, волоски, выбивающиеся из общей массы волос, потрепанные/застаренные вещи, грязь, пятна, маленькие обитатели природы, насекомые, лужи, рюкзаки, и швы.
Например… скажем, у вас есть обувь. Шнурки не должны быть идеальными. Может, на одном конце шнурка образовался узел. Может, на одной из дырочек отвалилась металлическое кольцо. А может на пятке кто-то нацарапал «I
Это, конечно, не единственные важные элементы хорошего рисунка, но, если вы учтете все три пункта, у вашего творчества будет намного больше почитателей, чем у тех, кто игнорирует их.
БУДЬТЕ ОБЩИТЕЛЬНЫ
Итак, вы научились рисовать, вы много практикуетесь и подняли свой талант на новый уровень, но у вас всего 2 последователя/фоловера (DeviantArt-е их называют watchers), и один из них просматривал вас еще до того, как в вашей галерее хоть что-то появилось, а второй – ваш лучший друг. Как же получить новых последователей и набрать много лайков? Будьте общительны. Оставляйте доброжелательные отзывы другим людям, ставьте лайки чужим работам, которые вам нравятся. Поздравляйте с днем рождения – отправьте им ламу:) Мы сейчас не говорим о банальных «Спасибо!» и «Круто!». Потратьте немного своего времени и оставьте честный, искренний отзыв/комментарий. Если вам ответят больше одного раза, можно начинать спрашивать, как у них дела. Читайте их журналы/блоги и комментируйте их посты о личных происшествиях. Главное, всегда быть искренним и любезными.
Большинство людей начнет реально обращать на вас внимание после того, как некоторое время ваше имя будет «мелькать у них перед глазами». Они зайдут и на вашу страничку и просмотрят вашу галерею, или оставят комментарий в вашем журнале/блоге. Нужно сделать так, чтобы вас заметили. Если вы никогда не оставляете комментариев, или не пишите в журнале/блоге, никогда не отвечаете людям и не ставите никому лайков, то можете считать, что вас на DeviantArt-e не существует.
Помимо всего сказанного: будьте вежливы, дружелюбны и искренни. Никогда не знаешь, вдруг тот самый незнакомец, с которым вы однажды познакомились, окажется сотрудником какого-то крупного издательства комиксов и покажет своему боссу ваше имя, ПРОСТО, ПОТОМУ ЧТО ВЫ ЕМУ ПОНРАВИЛИСЬ.
Такое РЕАЛЬНО случается.
РАБОТА ПОД ЗАКАЗ
В последнюю очередь по счету, но не по значению, давайте поговорим о заказной работе. Понятно, что вы хотите работать за деньги. Ну, а кто не хочет, чтобы им платили за творчество? Мы ЛЮБИМ творчество. Так, вот с чего нужно начинать.
1. Установите свои правила, и будьте очень тверды в своем решение. Знайте, что вы умеете рисовать лучше всего, чему вы хотите научиться, и сколько вы хотите получать за свою работу.
2. Начните с низких цен. Сначала у людей не будет к вам доверия – поэтому начните с более «комфортных» цен. После того, как у вас за плечами будет 10 или 20 заказов, цену можно будет повысить. Вы уже доказали свою ответственность (создайте список людей, с которыми вам довелось работать… людям нравится видеть, чего вы добились!).
3. Делайте свою работу, и делайте ее в четко отделенное для этого время. Поддерживайте связь с теми, кто заказал у вас рисунок. Спрашивайте их мнение, вы должны четко понимать, чего они хотят, и никогда не тяните резину. Люди хотят получить свой заказ, и хотят они его на 5 минут раньше обговоренного времени.
Было ли с вами такое – вы пришли на выставку и вдруг поняли, что вокруг работы одних новичков? Как их распознать? Какие ошибки начинающих художников свойственны любительской живописи?
Многие начинающие художники делают одни и те же ошибки. Их легко могут заметить как профессиональные художники, так и обычные зрители.
Ниже приведен список самых распространенных ошибок новичков. Он поможет вам их избегать, а ваши работы перестанут выглядеть посредственнымы и скучными.
ОШИБКИ НАЧИНАЮЩИХ ХУДОЖНИКОВ
Ошибка №1. Рисовать все, что видите
Не пытайтесь быть фотоаапаратом. Вы создаете картины, в них – ваше собственное видение мира, изображаемых объектов.
Вы не обязаны рисовать каждую деталь лишь потому, что она есть в реальности.
Будьте избирательными – включайте только те элементы, которые подчеркнут каждый конкретный сюжет. Фотография – ваш помощник. На ней есть все необходимые элементы, но какие из них включать – решаете только вы.
Кроме того, когда вы пытаетесь достичь фотореализма в своих работах, даже маленькие незначительные ошибки в несоблюдении размеров, углов наклона и тому подобные, будут очень заметны зрителю.
Vincent van Gogh – Public Domain
Ошибка №2. Быть заложником сюжета
Не обязательно рисовать объекты в том месте, где они находятся на самом деле. Вы можете менять их местоположение, если это усилит композицию картины. Это верно для любого жанра, в том числе и для пейзажа.
Можете совмещать элементы с разных фотографий. В этом случае важно помнить про то, где находится источник освещения.
Если вы рисуете узнаваемое место, передвигать объекты в рамках картины может быть проблематично. Вместо этого можно сдвинуть вторичные или переменные элементы или вовсе от них отказаться. К таким элементам относятся фигуры людей, зонты, мебель, цветы и т.д.
Ваша основная задача – передать сюжет, ухватив его суть, и подобрать для этого лучшую композицию из возможных.
Ошибка №3. Размещать главные элементы в центре картины
Не размещайте главный элемент картины строго в центре, иначе взгляд зрителя будет прикован только к нему.
По этой причине избегайте и размещения по центру основных линий, таких как край стола, ствол дерева. Они как будто разрезают картину пополам вертикально или горизонтально.
Есть одно простое композиционное правило – расстояние между объектами должно быть разным. Это значит, что вы должны применить разнообразие ко всем элементам картины, чтобы привлечь внимание зрителя и заставить его взгляд блуждать по ней.
Если вы работаете над пейзажем – меняйте форму и размер ваших деревьев, смешивайте разные оттенки зеленого, обратите внимание на расстояния между объектами. Избегайте однотипных рядов деревьев или кустарников одного размера.
Даже если вы рисуете такой упорядоченный, с заданной формой, объект как забор, добавьте немного разнообразия – сделайте местами шире зазоры, наклоните пару досок, а то и вовсе пропустите одну.
Великолепная работа Винсента Ван Гога “Ирисы”. Густые мазки краски, чуть размытый фон, продуманные линии, прекрасная композиция и размещение центра картины.
Ошибка №5. Одинаковое количество деталей на переднем и заднем планах
Эта ошибка особенно часто встречается у тех, кто рисует не с натуры, а по фотографиям.
На фотографиях сохраняется огромное количество деталей и почти все они в фокусе. Вы можете ясно разглядеть и травинку на переднем плане, и ветку дерева вдали.
Однако наши глаза видят по-другому. Если мы сосредоточим взгляд на одной области, все остальное будет размыто.
Решите где будет центр вашей работы, нарисуйте его более подробно.
Не детализируйте все области картины одинаково. Как правило, в фоне очень мало деталей, их количество постепенно увеличивается к переднему плану и композиционному центру картины.
Ошибка №6. Использовать готовые зеленые оттенки
Поражает разнообразие и насыщенность зеленых оттенков, встречающихся в природе. Их невозможно подобрать, используя лишь краску из готовых заводских тюбиков и кювет, сколько бы их у вас ни было.
Основное преимущество покупки зеленых оттенков – они всегда у вас под рукой. Однако вы добьетесь куда больших успехов, смешивая готовые цвета с другими, чтобы добиться желаемых оттенков.
“Они будут продавать вам тысячи оттенков зеленого цвета. Veronese green, изумрудный, кадмий зеленый, и любой зеленый, который вы только пожелаете, но нужный – никогда.” – Пабло Пикассо
Яркие и похожие друг на друга оттенки зелени присутствуют в работах многих начинающих художников. Вы сразу заметите, что они используют готовые зеленые краски.
Чтобы избежать подобной ошибки, смешивайте свои оттенки зеленого, добавляя разные цвета. Добавив синий к зеленому, вы сделаете его холоднее. Желтый цвет сделает зеленый оттенок более теплым, а красный цвет приглушит яркую зелень.
Poor Fisherman, 1896, by Paul Gauguin
Ошибка №7. Нежелание учиться смешивать собственные зеленые оттенки
Похоже на разобранную выше Ошибку №6, но речь немного о другом.
Когда вы смешиваете зеленые оттенки, то будете получать разные вариации в зависимости от используемых голубых и желтых цветов, а также их пропорций в смесях.
Но! Зеленые, полученные путем смешивания только синих и желтых оттенков, как правило, слишком яркие по сравнению с реальными цветами в пейзаже.
Каждое зеленое растение или объект имеет несколько иной оттенок – насыщеннее, теплее, холоднее или даже тускнее чем тот, что вы получили.
Некоторые оттенки, расцененные нами как зеленые, вообще оказываются синими или очень тусклыми желтыми, местами встречается и серый цвет.
Смешивая зеленые оттенки из синих и желтых, добавляйте туда оранжевые или красные, посмотрите как они приглушают зелень.
Обратите внимание на то, что зеленые оттенки в пейзаже меняются в зависимости от времени суток, цвета света и времени года. То, что утром кажется вам сине-зеленым, вечером может быть окрашено в желто-зеленый цвет. Зеленые оттенки более насыщенны весной и тусклые осенью, во время листопада они более оранжевые.
Ошибка №8. Экономный расход краски
Это трудноискоренимая привычка – использовать малое количество краски, экономить.
Ничто так не говорит о непрофессиональности художника как неуверенные, боязливые, скупые мазки.
Смешайте в два раза больше краски чем вам нужно и используйте ее. В конечном итоге у вас может остаться лишняя краска, но это не так страшно.
Будет хорошо, если вы начнете работу над картиной с тонких слоев, но по мере заверешения ваши мазки должны быть более густыми, решительными, уверенными. Оставьте их такими, не трогайте.
Не возвращайтесь назад и не пытайтесь переделать уже наложенные мазки. Придите к согласию с собой, чтобы оставить их как есть, даже если вам трудно на это решиться.
Иногда краска, нанесенная на холст, выглядит иначе чем на палитре и не соответствует вашим ожиданиям. Не исправляйте сразу же. Поработайте над другой областью и подождите. Когда вы снова вернетесь к этому участку, то уже успокоитесь и посмотрите более “свежим” взглядом. Примите решение – стоит ли повозиться с этим участком еще немного или он хорошо смотрится и так?
Ошибка №9. Рисовать то, что знаешь, а не то, что видишь
Это типичная ошибка как совсем новичков в рисовании, так и тех, кто уже занимается какое-то время.
Например, мы знаем, что дом белого цвета, и рисуем его белым.
Мы знаем, что цветок пурпурный, и рисуем его пурпурным.
Часто мы принимаем за реальный цвет объекта тот цвет, что видим когда мы смотрим на него близко и под прямым источником света.
Это же касается и форм. Мы знаем, что сосна треугольная, а тарелка круглая, и рисуем их в соответствии с заложенными общими образами, даже не пытаясь наблюдать, анализировать, сравнивать.
Прищурьте глаза и посмотрите на объект. Обратите пристальное внимание на форму, негативное пространство, структуру. Что темнее? Что легче? Задавайте себе такие и похожие вопросы.
Белый цвет в тени темнее чем черный на свету.
Мой мозг не принимает это утверждение автоматически, но если я прищурюсь и начну пристально вглядываться в объекты, то смогу удостовериться в том, что это верно.
Ошибка №10. Использовать неверный цвет в работе, чтобы не выбрасывать оставшуюся краску
Краски стоят дорого. Поэтому когда на палитре скапливается большое количество неиспользованной краски, то одна мысль о том, чтобы ее выбросить вызывает боль. Мы начинаем искать варианты куда бы ее пристроить, не так ли?
Но когда мы начинаем смешивать оставшийся большой кусок смеси тускло зеленого цвета с чем-то другим, то на выходе получаем что-то не менее тусклое или даже серое.
Прекратите пытаться исправить залежавшуюся смесь. Начните сначала. Не используйте неправильный цвет в работе. Или найдите ему иное применение – в качестве “серого” или добавляя по чуть-чуть, чтобы нейтрализовать другие яркие цвета.
Используя в своей работе неподходящие цвета лишь в целях экономии, чтобы они не пропадали впустую, вы рискуете конечным результатом и впечатлением от вашей живописи.
Ошибка №11. Рисовать только жесткие границы
Когда я только начала рисовать, я и понятия не имела, что бывают жесткие, мягкие и даже исчезающие границы, края. Большинство границ моих объектов были жесткими. Иногда я случайно делала мягкие края там, где нужно, пытаясь повторить то, что видела в реальности. Позже я узнала, что есть несколько правил когда применять тот или иной вид краев.
Итак, что такое мягкий край? Он проявляется когда вы объединяете цвета вместе, вливая один в другой. Жесткий край проявляется когда цвета не смешиваются и это подчеркивается формой объекта.
Ошибка №12. Работать над картиной кистями неподходящих размеров
Кисти бывают разной ширины и диаметра. Кисти маленьких размеров используются только для прорисовки деталей, они понадобятся вам в самом конце работы. Не поддавайтесь желанию взяться за них слишком рано, это приведет к тому, что ваша картина будет перенасыщена деталями.
Мне нравится начинать работать с кисточками больших размеров, ими я рисую основные формы. Затем я перехожу на кисти средних размеров для более мелких объектов. В конце берусь за маленькие кисточки, заканчиваю работу над деталями картины.
Как определить размер самой большой кисти, нужной вам для работы? Это зависит от размера ващей будущей картины. Например, если я рисую на формате 15 х 15 см, то начинаю с кисти 2,5см, постепенно меняя кисточки на более мелкие.
Чем больше размер вашей заготовки, тем большего размера кисть вам нужна. Для больших полотен 76 х 102 см я использую в начале флейцевые кисти 5 или 7 см (их можно найти и в строительных магазинах). В процессе работы я заменяю их на художественные кисти более мелких размеров.
При помощи больших кисточек вы наносите сразу больше краски. Но это не единственная причина, по которой вам стоит начинать работу с них. Они объединяют ваши мазки, позволяют им выглядеть цельно.
Когда нужно переходить на кисти более мелких размеров? Как можно позже. Работайте с большими кисточками ровно столько, сколько сможете, прежде чем заменить их.
Ошибка №13. Беспокоиться из-за результатов
Доверяйте своим инстинктам и верьте в себя!
Страх – одна из самых коварных опасностей, поджидающая начинающих живописцев. Ученики боятся сравнения с другими более талантливыми учениками. Начинающие художники боятся как оценят их творчество более опытные живописцы. И каждый боится критики и негативных отзывов зрителей.
Страх пораждает неуверенность в себе. Для художника подобные метания и сомнения в принятых решениях особенно опасны – они обязательно отразятся на картине.
Иногда это даже не страх, что ваша работа кому-то не понравится, а страх перед тем, что напрасно тратите дорогие художественные материалы (прочитайте еще раз ошибки №8 и №10).
Откиньте все сомнения и опасения, доверяйте своим инстинктам, верьте в себя!
Следуйте за своей творческой звездой и наслаждайтесь процессом!
Ребята, мы вкладываем душу в сайт. Cпасибо за то,
что открываете эту
красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook
и ВКонтакте
Давид Ревуа, иллюстратор и концепт-художник, поделился с начинающими художниками списком знаний, которые необходимо приобрести, чтобы работы получались реалистичными. Не важно, чем ты рисуешь - карандашом, кистью, мелками или на планшете, - эти законы остаются незыблемыми.
сайт припас для вас статью, где четко и понятно излагается план действий для начинающего художника, который решил учиться самостоятельно.
«Сложно выбрать, что надо изучать тем, кто собирается заняться рисованием... Я получаю много писем на эту тему; новички обычно чувствуют себя потерянными, заблудившимися среди всего этого. Поэтому я решил составить своеобразное оглавление - список того, что надо изучить и в чем надо практиковаться, чтобы создавать качественные работы и научиться рисовать лучше. Каждый пункт снабжен моими простыми комментариями, отвечающими на вопросы «что», «зачем», «как». Таким образом будет проще найти необходимый материал с помощью вашей любимой поисковой системы. Также этот материал может быть полезным для тех, кто хочет повысить качество своих работ. Я буду использовать эти отправные точки в своих упражнениях и при поиске ошибок в своих работах. Если вы только начинаете рисовать - вот вам мой совет: будьте эрудитами, изучите основы и фокусируйтесь на отдельных элементах по очереди.
1. Перспектива
Что это
: Искусство передавать трехмерное пространство на плоской поверхности.
Какова цель
: Не рисовать плоско, изображать глубину на двухмерной бумаге.
Что надо об этом узнать
: Сетка перспективы, как простые формы (кубики, шары и т. п.) ведут себя в перспективе и как сохранить пропорции.
Работа на основе двух исчезающих точек (зеленая и красная).
2. Пропорции
Что это
: Соотношение размеров всех объектов на вашем рисунке.
Какова цель
: Рисовать узнаваемые объекты благодаря стереотипным представлениям о пропорциях.
Что надо об этом узнать
: Учиться запоминать пропорции, найти способ легко запоминать соотношения частей объекта, составить «словарь» пропорций.
Оранжевые линии показывают основные пропорции и соотношения на рисунке (слева) и наброске (справа).
3. Анатомия
Что это
: Изучение структуры.
Какова цель
: Рисовать объекты реалистично (людей, животных, растения, технику и т. д.).
Что надо об этом узнать
: Суставы, кости, мышцы, как они работают, как ведут себя, как соединяются части и т. п.
Упражнение на рисование рук (слева), на рисование скелета (по центру), изучение мышц (справа).
4. Композиция
Различные эскизы перед началом работы; поиск композиции.
5. Освещение
Что это
: Свет и тень, переданные в цвете.
Какова цель
: Создать иллюзию света, отобразить правильные тени, достичь объема и передать настроение.
Что надо об этом узнать
: Значения цветов, отбрасывание теней, влияние материалов поверхности, отражение света, характеристики света (преломление, рассеивающие материалы и т. д.).
Слева: свет показывает разницу в материале. Справа: использование света, чтобы показать второго персонажа (отбрасываемая тень).
6. Края
Что это
: Способ выделить силуэты объектов на вашем рисунке.
Какова цель
: Облегчить чтение работы, разделить объекты и фон, усилить эффект глубины.
Что надо об этом узнать
: Стиль краев (четкие / мягкие / теряющиеся) в рисовании, стили линий (вес, скорость, мягкость) для контуров.
Слева и в центре: края на рисунке, справа: толщина контуров.
7. Цвета
Что это
: Искусство выбора правильных оттенков (средние тона, тени, свет).
Какова цель
: Добавить больше движения, настроения и эмоций вашей работе.
Что надо об этом узнать
: Цветовые системы (монохроматические, комплементарные и т. п.), особенности влияния цветов на настроение, стереотипы.
Сверху слева: 3 цветовых круга, отражающих палитры для этой работы; три дополнительных цвета.
8. Позы
Что это
: Искусство запечатлеть активное движение на статичном листе.
Какова цель
: Добавить жизни, энергии, движения и показать динамику.
Что надо об этом узнать
: Эмоциональные штрихи, наброски, быстрые рисунки, изучение всего движущегося, частые «разогревающие» упражнения.
Слева: позы пингвина в зоопарке, по центру: изучение поз при движении, справа: разминочные наброски фигуры.
9. Стиль
Что это
: Эстетика, чувство стиля. Часто зависит от фундаментальных стандартов (этических, исторических, социальных, символических), искусства культурных групп, арт-маркета.
Какова цель
: Проложить работе путь к зрителям.
Что надо об этом узнать
: Ваш собственный вкус, культура, творческий коллектив как публика и творцы одновременно.
Слева: классический черно-белый портрет, по центру: сильно стилизованный (и странный) стиль персонажа и рисования, справа: мой стиль комикса.
10. Идея
Что это
: Рисование абстрактных концептов, идейные ассоциации, изобретение и предложение нового дизайна. Это большей частью процесс разработки.
Какова цель
: Предложить новые образы объектов, персонажей и существ, чтобы развлечь или проинформировать публику.
Что надо об этом узнать
: Как работают вещи, как создавать новое, ассоциации идей, веселые ситуации, творческий процесс.
Новый тип техники (слева), новый вид дракона (по центру) и средневековый дом, который никто не видел до этого рисунка (справа).
11. Коммуникации
Что это
: Изображение может передать большой объем комплексной информации быстро. Пословица «Картина стоит тысячи слов» хорошо это объясняет.
Какова цель
: Художник может общаться (интернационально или нет) со зрителями.
Что надо об этом узнать
: Чтение изображений (расшифровка отправленных сообщений, невербальные знаки), передача смысла, истории, информации.
Рисунок листа не несет особой информации (слева), но комплекс деталей и выражение лица уже могут рассказать историю (по центру). Такой символ, как гриф из газет (справа), может заставить глубже задуматься о проблеме неэтичной журналистики.
Вывод: значимая иллюзия
Если вы сможете правильно объединить все сказанное выше, то добьетесь чувства объема, глубины, текстуры, света, движения и жизни на статичной поверхности. Это погрузит ваших зрителей в ваш мир, и вы сможете легко передать им свои идеи, сообщения или рассказать историю. И, наконец, как я вижу результат: искусство создавать значимые иллюзии . Вся эта палитра навыков послужит вашему интеллектуальному (память, контроль, решительность), а также эмоциональному развитию (чувства, эмоции, подсознание). Это комплексное упражнение, требующее знаний, наблюдений, воображения , но прежде всего вам нужно ПРАКТИКОВАТЬСЯ, ПРАКТИКОВАТЬСЯ и ПРАКТИКОВАТЬСЯ . Навык рисования похож на мышцу (и вы, конечно, не станете сильнее от того, что прочитаете книгу о поднятии тяжестей или посмотрите видео), поэтому удачи вам в рисунке и живописи, постройте свой уникальный опыт ".
Выбор бумаги для рисования карандашом
– задача достаточно непростая. Начинающие художники часто используют для своих иллюстраций обычные офисные листы бумаги или вовсе — тетради в клеточку. Для набросков такой вариант допустим, но если вы собрались становиться профессиональным художником, то нужно изучить данный вопрос детальнее. В данной статье мы рассмотрим основные типы бумаги для художников
, после чего вы сможете определить для себя, на какой бумаге лучше
всего рисовать
карандашом.
Карандаш – очень простой материал для рисования, с которого художники начинают свой творческий путь. Даже любой малыш свои первые линии делает карандашом, прежде чем перейти к более сложному материалу. Но не такой уж карандаш и примитивный, если изучить подробнее. Он способен помочь художнику создать эскизы, различные иллюстрации, рисунки и картины. Карандаши имеют свои виды и любому художнику важно уметь правильно подбирать материал для своей работы, чтобы иллюстрация имела презентабельный вид. Итак, давайте разберемся, как выбрать карандаш для рисования
?
Каждый человек обладает талантами. В раннем детстве мы мечтаем о будущей профессии, но детские желания часто остаются просто фантазиями, ведь не каждый родитель одобрит мечту стать дизайнером или художником, считая, что с такой профессией в жизни будет тяжко, что это невостребованная работа.
Иногда, по разным причинам, нам не хочется, чтобы кто-то знал, что тот или другой наш портрет мы сделали сами. В этом случае хорошо бы исхитриться и сделать автопортрет (селфи) так, как будто нас сфотографировал профессионал. Нужно ли это для нашей странички в социальной сети, или для какого-либо портфолио, или, в конце концов, для личного использования не суть важно.
1. Во избежание разводов и последствий повторных движений, не работайте пальцами и кистью руки. Работайте плечом и предплечьем.
2. Не пользуйтесь дешевым графитом! Он подходит для письма, при рисовании царапает бумагу. Карандаш должен оставлять на бумаге гладкий след. Профессиональные карандаши изготовлены из смеси глины и графита более высокого качества.
3. Обезопасьте карандаши от падения. При падении графит ломается, и его будет трудно заточить.
4. Механические карандаши покупайте профессиональные, в специализированных магазинах для художника. Они дороги, но служат они дольше, чем обычные карандаши из канцелярских товаров.
5. не пользуйтесь глянцевой бумагой! Она без рельефа и графит не держится на ней.
6. Не используйте бумагу, в составе которой применяются кислоты! Со временем такая бумага желтеет.
7. Если штриховка блестит, это свидетельствует о том, что при сильном нажатии на одном месте рельеф нарушается, и последующее штрихи не будут держаться на бумаги.
8. Избегайте использовать некачественные ластики, цветных (в особенности розовых) и слишком твердых (на концах карандашей).
9. Используйте наждачную бумагу в качестве точилки.
10. Не рисуйте на горизонтальных поверхностях! При рисовании на горизонтальной поверхности верхняя часть бумаги находится дальше, чем нижняя. Пропорции в работе нарушаются.
11. Чистите ластик о бумагу, пока не побелеет. Ластики быстро пачкаются, запаситесь несколькими.
12. Если рисуете круг, посмотрите на него в зеркало, чтобы увидеть недостатки.
13. При рисовании не спешите. Точность более важна чем скорость. Скорость увеличится со временем.
14. Не жмите не карандаш слишком сильно, при этом на бумаге остаются вмятины. Если попытаться заштриховать, на месте вмятин остаются белые полоски
15. Соблюдайте порядок, храните инструменты в одном месте.
16. Если собираетесь рисовать на природе посмотрите: какая погода, какое освещение, сколько сейчас времени. С учетом этих факторов принимайте решение, стоит выходить или перенести выход.
17. Не используйте линейку, тренируйтесь рисовать прямые линии от руки
18. Для скетча - важной частью является изучение объекта.
19. Память развивается при рисовании с натуры. Особенно при рисовании новых объектов
20. Используйте ваши творческие способности, чтобы подправить, переместить или изменить полностью детали объекта, с которым работаете.
21. Размещайте не законченные работы на видном месте. Заметив что-то, что нужно исправить - запиши.
22. Не клади на бумагу скотч, так как при его удалении повредите бумагу.
23. Если рисунку необходима симметрия, прочертите по центру линию. Это поможет в процессе рисования. В крайних случаях используйте линейку.
25. Для коррекции композиции применяйте видоискатель - рамка выполненная из листа бумаги.
26. Если нужно нарисовать лицо слегка под другим углом, наклоните фото относительно листа бумаги и закрепите его скрепками.
27. Перед началом рисования портрета с фото, найдите несколько его фото под разными ракурсами. Изучите их все, чтобы знать, как он выглядит со всех сторон.
Света и тени
28. Перед началом штриховки, убедитесь, что линейный рисунок закончен (перспектива, пропорции и тд). Если есть в чем то сомнения, лучше исправить сейчас.
29. Очень распространен метод рисования от светлого к темному. Это когда поверх более светлого тона накладывается темный. И так постепенно прорисовываются полутени и тени. При таком методе переходы получаются плавными.
30. До начала штриховки присмотритесь, составьте представление о том где расположены тени, блики.
31. Учитывайте где расположен источник света, как он падает на предмет, где создаются блики, а где тени от него. Если все правильно - изображение будет трехмерным.
32. Нанося линии разной длины, можно создать плавный переход от одного тона к другому (короткая линия между двумя длинными).
33. Периодически смотрите на рисунок издали. Это поможет вам составить общее представление о рисунке.
34. Вначале нарисуйте форму и только потом переходите к свету и тени.
35. Важнее создать трехмерное изображение, чем прорисовывать текстуру.
36. Имейте черновик для экспериментов с текстурами.
37. Используйте полный набор тонов, иначе рисунок будет плоским.
38. Определить тон цветных изображений непросто. Для начала переведите цветное изображение в черно-белое (фотошоп, отпечатайте ч/б фото в ателье). Сравните цветное и ч/б изображение, это поможет вам научится определять тон цветного изображения.
39. Делая перекрестную штриховку, поворачивайте рисунок под естественные движения руки.
40. При рисовании, мысленно делите объект на простые фигуры, так легче определить пропорции
41. При штриховка теней, помните, чем дальше от объекта штриховка светлее, ближе к объекту темнее.
Растушевка
42. Начинающим трудно приобрести навыки в смешивании. Перед тем как начнете учится смешиванию, приобретите хорошие навыки традиционной штриховки. Для смешивания правильно накладывайте градуированные тона. Не применяйте смешивание для маскировки плохо нанесенной штриховки.
43. Ни смешивайте пальцами, т.к. кожа выделяет жиры, которые впитаются бумагой и будут заметны (особенно это касается средних и светлых тонов).
44. Смешивание лучше проводить в тех местах, где используется широкий диапазон тонов. На темных участках - смешивание лучше не проводить. При необходимости, темные места, пройти штриховой несколько раз.
45. Для смешивания используйте бумажные растушевки, как самодельные, так и покупные, гигиенические ватные палочки.
46. Имейте ввиду, что конечный результат смешивания зависит от таких факторов как метод затенения, инструментов, вида бумаги.
47. как правило первые результаты не радуют. Не сдавайтесь, с практикой придут результаты.
Композиция
4 8. Композиция требует наполнения рисунка элементами с разными текстурами, формами. Но избыточность элементами делает его не гармоничным и переполненным. Помните о простоте.
49. Подбирайте формат листа в соответствии с объектом. Портрет рисуйте на вертикальном листе, пейзаж лучше на горизонтальном.
50. При составлении натюрморта, подбирайте предметы относящиеся к одной тематике. К примеру растения и садовый инструмент, еда и кухонная утварь.
51. Композиция приобретает большую выразительность когда главная часть ее выделяется значительным количеством деталей и повышенным контрастом тонов.
52. В группе используйте нечетное количество объектов.
53. Фигурам заднего плана уделяйте столько же внимания сколько и переднего.
54. Если прекрасные объекты расположены в плохой композиции, не бойтесь поменять их так как вам хочется.
55. Чтобы понять как правильно составлять композицию, изучайте работы мастеров. Когда поймете их идею, Ваши работы станут более органичны.
56. Составляйте план затенения в виде эскиза, который будет наметком вашей композиции.
57. Старайтесь, чтобы отдельные элементы рисунка направляли взгляд зрителя в центр композиции.
58. Лучше распределять объекты асимметрично. Высокие объекты группируйте в одной половине композиции.
60. Соблюдайте баланс света, распределяйте светлые и темные места по всему листу, а не группируйте в одном месте.
Рисование через сетку
61. Когда рисуете с сеткой, не бойтесь сделать помарку. Если вы нарисовали не то в квадрате, то сотрите эту часть, обновите сетку и продолжайте работу!62. Если вы рисуете с фотографии, то нарисуйте на ней сетку фломастером. Линии будут виднее чем от карандаша и не оставляет царапин.
63. Сетку на оригинале не рисуйте, используйте копию.
64. Когда используете сетку, то она помогает воспроизвести правильные пропорции и перспективу, а объем нет.
65. Если не хотите рисовать сетку на фото, нарисуйте ее на любом тонком, прозрачном материале (стекло, плекс, прозрачные файлы...). Эту сетку можно использовать неоднократно.
66. Что бы вам легче было нарисовать сетку, положите свой лист поверх миллиметровки. Размер квадрата выбирайте пропорционально размеру рисунка.
67. Прежде чем, рисовать лицо в анфас, нарисуйте линию симметрии. Она поможет определиться с расстоянием симметричных частей лица.
68. Лица оживают когда добавляются в глаза блики и тени.
69. В карандашном портрете можно передать цвет радужки глаз используя только тон. Для карих глаз тон темный, почти как у зрачка. Для голубых, синих и зеленых глаз подходят средние тона. Серый, серо-зеленый и бледно-голубой - применяйте светлый тон, радужка имеет сильный контраст со зрачком.
70. При рисовании зубов, не прорисовывайте лини между ними, а то получится шахматная доска. Просто создайте на них тень от губ.
71. Ресницы рисуйте по направлению роста, а не от кончика к веку.
72. Когда работаете над портретами детей, применяйте мягкое, рассеяное освещение.
73. У детей глаза более округлые и радужки у них большие, а брови намного светлее, в сравнении со взрослыми.
74. У детей головы больше в пропорциях к телу. Основная ошибка начинающих – рисовать само лицо большим, относительно размера головы. Для взрослых лицо занимает около половины объема головы, а у детей – всего лишь треть.
75. Рисуйте волосы ребенка не слишком пышными. Излишняя волосатость создает впечатление, что ребенок старше своих лет.
76. Возраст на рисунке, передается не изменением пропорций, а изменением объема(мышц, обвисанием кожи, выступлением костей). Это нельзя передать только несколькими линиями. Смотри раздел " ".
77. В карикатуре выделяйте самые основные черты. Если человек обладает большим носом, нарисуйте его еще больше, т.е. найдите у человека его основную черту и гипертрофируйте ее.
